ICAF Blog 3, donderdag 31 maart, 2023
De verhalen die we vertellen
In een van de workshopsessies in de middag las Catherine Koekoek van het Wijktheater Rotterdam een korte passage voor uit het boek Relating Narratives van Adriana Cavarero: Storytelling and Selfhood. Cavarero schrijft over wat zij een van de mooiste scènes uit De Odyssee vindt. Na een reis van tien jaar heeft Odysseus opnieuw een schipbreuk overleefd en is hij aangespoeld op het land van de Phaeciërs. Hij onthult zijn identiteit niet aan hen en wordt aan hun hof verwelkomd uit beleefdheid voor een bezoekende gast. Tijdens het entertainment op het banket die avond zingt een blinde verteller het verhaal van de legendarische Odysseus en zijn heldendaden tijdens de Trojaanse oorlog. Odysseus heeft van moment tot moment geleefd, jaar na jaar, en het is altijd gewoon zijn leven geweest. Maar nu, voor de allereerste keer, hoort hij hoe zijn leven als een verhaal wordt verteld en het ontroert hem tot tranen toe dat hij alles wat hij heeft meegemaakt erkent en bevestigt.
Catherine bracht dit in verband met het kernwerk van community arts – de buitengewone betekenis en het belang van het vertellen van je verhaal. In de sessies die ik vandaag bijwoonde, kwamen veel complexe dimensies van dit streven naar boven. Hier is een voorproefje van enkele verbindende thema’s, serieuze uitdagingen en tegenstrijdigheden die ik zag.
In de ochtendsessie van Kerrie Schaefer, “Documenting Community Performance Processes”, begon ze met een praktijk die onvermijdelijk kostbare tijd in beslag neemt als de klok tikt, maar die een fundamenteel onderdeel is van elk community art werk. Ze vroeg wie er in de zaal aanwezig was. Door deze uitnodiging om iedereen een kijkje te laten nemen in hun verhaal, werd het duidelijk dat er hier een schat aan kennis en expertise aanwezig was. Zelfs in deze leessessie zou er sprake zijn van samen leren. Ze vroeg ons om te spreken over de vraag of en waarom we ons werk documenteren of, in bredere zin, waarom dit werk gedocumenteerd zou moeten worden. Er waren veel antwoorden. Documentatie vergroot de impact van het werk buiten het bereik van degenen die er persoonlijk bij waren. Documentatie kan gebruikt worden om verdere financiering te krijgen en kan mogelijk gezien worden door diegenen die de beleidsvorming kunnen beïnvloeden. Documentatie wordt het archief van wat er bereikt is en documentatie stelt de mensen in het veld in staat om over elkaars werk te leren. Het is niemand ontgaan dat Eugene Van Ervens boek Community Theatre: Global Perspectives, dat het werk van community artists in zes landen documenteerde, de opmaat was voor het ICAF.
Kerrie herinnerde ons aan Trash Dance, de documentaire film van Andrew Garrison over het project van Allison Orr in Austin Texas, die werd vertoond op het ICAF van 2017. Ik had het geluk om bij die vertoning aanwezig te zijn en ik herinner me nog levendig dat ik na afloop alle betraande ogen in de lobby zag toen deze menigte van kunstenaars uit de gemeenschap de essentie van ons werk in de film gevierd en bevestigd zag. Die avond waren we allemaal Odysseus aan het hof van de Phaecians.
Het bijzondere aan Andrews film is dat Allisons werk voor ons werd gecureerd. Haar verhaal, het verhaal van haar gezelschap, Forklift Danceworks, de verhalen van de mensen in de gemeenschap met wie ze werkte en het publiek in Austin dat aanwezig was, waren kunstig in elkaar gezet door een verhalenverteller. Dramatische spanning was duidelijk zichtbaar in de talloze onderhandelingen die ze moest voeren om het project te laten slagen. Uiteindelijk was er ook dramatische spanning van Mama Nature, toen een stortbui de voorstelling dreigde te annuleren. Maar misschien wel het meest kunstig was Andrew’s briljant gemonteerde “Scheherazade-moment” aan het begin van de film. In een terloops interview met Allison dat slechts 48 uur voor het optreden plaatsvond, denkt Allison na over wat ze voelt en wat ze heeft kunnen bereiken. Ze geeft toe dat met nog maar twee dagen te gaan, de show nog niet klaar is. Maar, zegt ze “Daar gaat het niet om.” Buiten beeld vraagt de stem van de interviewer: “Waar gaat het dan wel over?” En terwijl Allison nerveus lacht, is er een blik in haar ogen die lijkt te zeggen dat ze geen idee heeft. Het beeld bevriest en dan gaat het verhaal verder. Helemaal aan het einde van de film keert Garrison terug naar dat moment. De stem buiten beeld vraagt: “Waar gaat het over?” Allison lacht en we zien dat de blik op haar gezicht helemaal niet verbijsterd was – ze pauzeerde maar een paar seconden voordat ze duidelijk uitlegde waar het project precies over gaat. Het is een filmisch moment van triomf om haar zo vol gratie en vertrouwen te zien in het werk dat ze doet.
De bedoeling hiervan is te benadrukken dat documentatie geen neutrale registratie van gebeurtenissen is. De kunst van het documenteren is veel meer dan rapporteren; het is een inherent creatieve praktijk en de filmmaker neemt een standpunt in ten opzichte van de onderwerpen. In de vaardige handen van een sympathieke filmmaker als Andrew Garrison wordt het verhaal van Forklift Danceworks verteld op de manier waarop Allision en haar team (en vermoedelijk de sanitaire werkers met wie ze samenwerkten) willen dat het verteld wordt. Dit is hoe zij gezien en begrepen willen worden. Maar wat gebeurt er als, ondanks alle goede bedoelingen, de documentairemakers zich gedwongen voelen om hun medium film te gebruiken om een aangrijpend verhaal te vertellen dat de nadruk legt op wat zij zien als sappig of belangrijk, zelfs als dit misschien niet de kern is van het verhaal dat de betrokkenen over zichzelf zouden vertellen? Deze vraag over de aard van het documenteren van gemeenschapskunstprojecten loopt parallel met fundamentele zorgen over de creatie van de kunstprojecten zelf. Wie mag deze verhalen vertellen en op wiens voorwaarden worden ze verteld?
In clips van een andere documentaire die Kerrie presenteerde, 900 Neighbours, onderdeel van Big hART’s Northcott Narratives project, zagen we een elegante manier van vertellen. In de film belichamen de acties en stemmen van bepaalde individuen de onrechtvaardigheid van het sociaal ingebedde racisme van buitenstaanders en de gedwongen marginalisatie van de Northcott gemeenschap die diepgaande inzichten overbrengen zonder enig narratief commentaar.
Soortgelijke zorgen waren verweven in de sessie die ik ’s middags bijwoonde, “Achter de schermen van het Rotterdams Wijktheater”. Liselot van der Geer en Catherine Koekoek namen het driefasenproces van hun gezelschap met ons door:
1) een groep te worden,
2) een verhaal uit te dragen en tegelijkertijd het pluralisme te erkennen dat in alle verhalen die we vertellen aanwezig is,
3) het gewicht te verschuiven naar het presenteren van de verhalen aan een publiek.
Ze leidden ons door een aantal heerlijke participatieve activiteiten en er kwam visueel en auditief prachtig werk uit voort. Door alles heen bleven dezelfde vragen over curatie naar boven borrelen. Wie mag het kader vormen voor de verhalen die worden verteld? Wiens verhalen van de groepsleden krijgen voorrang? Hoe werkt authentiek collectief auteurschap? Kan het werken?
Omdat ik dit verhaal vertel, zal ik mijn visie geven op het raadsel waar we mee worstelen. Ik laat me inspireren door wat wijsheid over plot en verhaal van de Engelse romanschrijver en essayist E.M. Forster. Forster legt uit dat “The Queen died and then the King died” een plot is. “De koningin stierf en toen stierf de koning van verdriet” is verhaal. Dit is het verschil tussen een voorstelling over een opeenvolging van gebeurtenissen in het leven van de vertellers en hun presentatie van inzichten over de relaties in hun leven. Tijdens de sessies van vandaag, en ook tijdens de voorstellingen van gisteren, waren het niet de plotlijnen die me boeiden. Wat ik persoonlijk zo boeiend vond, was getuige te zijn van genuanceerde uitingen van het scala aan relaties tussen de mensen in de verhalen. Ik vraag me af of degenen die community arts beoefenen als een medium voor mensen om hun inzichten over de manieren waarop mensen met elkaar omgaan collectief te verkennen en vervolgens theatraal uit te drukken, een manier hebben gevonden om deze wirwar van het bereiken van collectief auteurschap op te lossen?
Bij de vertoning van de korte film Fall, gemaakt door MEXE Associação Cultural uit Portugal, werd het publiek getrakteerd op een heldere evocatie van relaties over thema’s als eenzaamheid, verdriet, afstand, schaarste en armoede tijdens de pandemie. Met een minimaal gebruik van woorden probeerde dit theatergezelschap uit de gemeenschap (en nu ook filmproducenten) de ervaringen van hun buren te vertalen in een voorstelling. De film was gevuld met stiltes – veel verschillende soorten stiltes – en elke soort sprak boekdelen over de levenssituaties, hoop en angst van de bewoners.
Een verbindend element van zoveel van dit werk op het festival is schoonheid. Wat ik zo mooi vind, zijn al die keren dat deze kunstenaars hebben samengewerkt met hun gemeenschap om een typische evocatie te maken van hun collectieve begrip van hoe hun relaties met de mensen en situaties hun leven op allerlei manieren beïnvloeden. Zou dit de sleutel kunnen zijn tot het vinden van collectief auteurschap in de complexe mengelmoes van verhalen die verteld en gezongen, getoond en erkend moeten worden?
Morgen meer avonturen,
Will
